在全球独立电影的版图上，圣丹斯电影节始终是一块不可替代的高地——它不盲从商业潮流，不迎合主流审美，以“独立电影的摇篮”“新锐导演的跳板”之名，坚守艺术本真，聚焦社会议题，挖掘多元表达，持续拓宽电影语言的边界，让那些藏在主流视野之外、满是个性与勇气的作品，拥有了被看见、被共鸣的可能。
今年的圣丹斯电影节上，这份对创新的坚守，以一种更具突破性的形式惊艳全场：一段仅38秒的动画短片预告，没有宏大的叙事铺垫，没有华丽的宣传造势，却如流星划破夜空，迅速引爆热议，成为本届电影节上最动人的“小而美”惊喜，更撕开了生成式AI与艺术创作深度融合的全新可能。
这部名为《Dear Upstairs Neighbors》(《亲爱的楼上邻居》)的短片，用荒诞包裹现实，用视觉传递情绪，讲述了一个戳中无数人的日常困境：年轻女子Ada，满心渴望一夜安睡，却被楼上持续不断的震耳噪音，搅得彻夜难眠、濒临崩溃。随着Ada对楼上动静的猜测不断升级，现实与幻想的边界逐渐模糊、相互渗透，一场关于宁静与喧嚣、理智与失控的荒诞博弈，就此拉开序幕，成为一段微型却有力量的情绪史诗。
若仅看表面，这部短片的惊艳之处早已足够亮眼：极具辨识度的视觉风格、直击人心的情绪张力、打破常规的叙事逻辑，每一个亮点都足以让它在众多作品中脱颖而出。但真正让它超越同类、备受瞩目的核心，在于其背后一场颠覆行业认知的跨界共创——这不是一部单纯由艺术家打造的动画，而是资深动画人与顶尖AI科研团队携手，用初心与技术浇灌出的创新之作。
这场合作的阵容堪称“梦幻联动”：导演康妮·何，曾任职于皮克斯动画工作室，深耕动画领域多年，拥有极其丰富的创作经验与敏锐的艺术感知，深谙如何用画面传递细腻情绪;技术支撑则由Google DeepMind的顶尖研究员全权担纲，他们精通生成式AI的核心逻辑，擅长将技术转化为服务创意的工具。双方怀揣着同一个愿景：探索生成式AI的终极价值——不是取代艺术家的主导地位，而是成为他们手中的“智能画笔”，延伸创意边界，解锁创作可能，这也是《Dear Upstairs Neighbors》诞生的初心。
创作的起点，始终牢牢握在艺术家手中。导演康妮·何以自己与吵闹邻居的亲身经历为灵感，亲手绘制了完整的分镜脚本，将夜晚被噪音困扰的烦躁、猜测时的焦虑、失控后的崩溃，都融入每一个镜头，设想出一系列随夜色渐深而愈发疯狂、荒诞的场景，为整个作品奠定了情绪基调。与此同时，她力邀《疯狂元素城》角色设计师、多项国际大奖得主辛颖宗，负责短片的概念设计与角色造型，让创意构想有了更具象的表达。
主角Ada的形象，是艺术审美与个性表达的完美融合：古怪中藏着鲜活，棱角分明的轮廓搭配丰富灵动的表情，比例拿捏恰到好处，仅凭视觉就足以让人印象深刻。而画面色调的设计，更是将“情绪可视化”做到了极致：Ada的卧室采用冷色调渲染，静谧、安稳的氛围如避风港一般，精准呼应她对宁静的渴望;当她陷入幻想、情绪出现波动时，画面风格瞬间反转，色彩愈发浓烈奔放，笔触愈发自由洒脱;直至情绪爆发的高潮，画面彻底被抽象表现主义席卷——狂放的色块、飞溅的颜料、扭曲的空间，每一处细节都在呐喊，每一种色彩都在宣泄，将Ada内心的混乱与抗争，直观地呈现在观众眼前。
这种高度风格化的美学表达，在传统动画制作中几乎难以实现：既要全程保持角色形象的一致性，又要让每一帧画面都承载流动的笔触与强烈的情绪张力，两者之间的平衡，始终是行业内的难题。团队最初也曾尝试借助现有AI工具突破这一困境，却很快发现，短片的视觉语言太过独特，设计细节太过精细，市面上的通用模型，根本无法精准匹配创作需求，更无法传递出作品独有的情绪质感。最终，DeepMind的研究员们决定打破常规，从零开发全新功能，打造专属工具，通过足够多的自定义选项与精细控制，让艺术家的创意构想，真正落地为可见的画面。
工具的创新，是这场跨界合作的核心突破点。团队面临的首要挑战，是如何让AI精准捕捉艺术风格，生成既符合Ada角色设定，又能适配每场戏情绪的镜头。为解决这一问题，DeepMind的研究员们开发了专用微调工具，让艺术家们可以基于自己的手绘作品，对定制版的Veo和Imagen模型进行针对性调校——只需提供几张示例图像，模型就能快速学习、理解其中的视觉逻辑，甚至捕捉到那些“看不见”的细节，比如如何用两点透视构建画面空间感，如何用笔触轻重传递情绪差异，最终实现艺术风格的精准复现。辛颖宗绘制的概念原画与Veo模型生成的动画镜头对比，完美印证了这一点：AI不仅复刻了原画的视觉风格，更延续了其中的艺术精髓。
角色呈现的细节突破，更彰显了技术服务于艺术的初心。Ada的角色设计遵循纯二维平面美学，标志性的蓬松刘海与凌乱发髻，是她剪影的核心组成部分，既要清晰勾勒轮廓，又不能遮挡面部表情。若用传统方式制作3D模型，一旦角色头部转动，发型的立体结构必然会破坏精心设计的2D剪影，导致形象失真。而经过专属调校的Veo模型，巧妙化解了这一矛盾：当Ada转头时，模型会智能调整发型形状，实时优化轮廓，无论从哪个视角观看，都能完美保留原始艺术设定，让角色形象始终鲜活统一。
除了风格把控，镜头的动态节奏与细节精度，更是决定作品质感的关键。团队深知，文字提示的局限性太大，无法精准传递镜头的构图细节、动态轨迹，更无法表达创作者想要的情绪张力。于是，他们从动画师的日常协作习惯中汲取灵感——动画师们传递创意时，往往不依赖文字，而是通过手绘草图、动态分镜，甚至亲自表演场景来表达想法——基于这一特点，研究员们开发出一套全新的“视频到视频”生成流程，让艺术表达与技术实现，实现了无缝衔接。
这套流程的核心，是让创作者始终在自己熟悉的领域发挥所长：动画师可以在Maya、TV Paint等常用软件中，制作一段粗略却富有表现力的动画草稿，将镜头构图、角色动作、情绪节奏，直观地传递给AI;随后，AI模型会以这份草稿为基础，将其转化为完全风格化的动态视频——既忠实还原草稿中的动作轨迹与创作意图，又能在“严格遵循原意”与“适度创意发挥”之间灵活切换，实现了艺术控制与生成自由的完美平衡。
这样的创作模式，在短片的制作过程中随处可见：动画师Ben Knight在Maya中制作粗略3D动画草稿，研究员Andy Coenen用微调后的Veo模型，将其转化为充满抽象表现主义张力的最终镜头;动画师Mattias Breitholtz在TV Paint中绘制2D草稿，研究员Forrester Cole则通过自定义的ComfyUI工作流，逐帧调用微调版Imagen模型，让每一幅草稿都蜕变为兼具艺术感与细节感的画面;动画师Steven Chao完成Ada的角色动画与低多边形特效后，研究员Ellen Jiang与导演康妮·何携手，运用Veo和Imagen模型，将这些元素融合，用流动的颜料笔触，强化了动作场景的紧张氛围，让情绪传递更具冲击力。
创新的工具的背后，是精益求精的创作态度。即便有微调模型与“视频到视频”工作流的双重支撑，实现了对画面的精细控制，短片的每一个镜头，也从未经过“一键生成”就仓促定稿。团队完全沿用传统电影的制作流程，每天开展“每日审片”，逐帧推敲画面细节，逐段调整情绪节奏，经过多轮反馈、反复打磨，才最终呈现出满意的效果。
为了提升创作效率，避免迭代过程中从头生成整段视频，团队还开发了局部精细化编辑工具：创作者可以精准选中视频中的特定区域，进行针对性调整与优化，既能保留已经满意的画面部分，又能高效解决问题区域，大幅提升了创作效率。比如在优化Ada的发型剪影时，团队仅添加了一个简易遮罩，标出需要增加发量的区域，Veo模型就能够在该位置即兴生成一簇发丝——这簇新增的发丝，不仅自然融入整体造型，更完美延续了原始的艺术风格，让Ada的轮廓更加清晰生动。
而在Ada幻觉中那只咆哮的狗的创作过程中，这种“AI+手工”的混合工作流，更是发挥了极致价值：团队先以辛颖宗绘制的概念画为基础，利用微调后的Veo模型，通过“图像到视频”功能将静态画面动态化;随后，借助“视频到视频”的工作流程，在Veo生成的内容与Premiere等传统后期工具之间自由切换，无缝整合AI生成与手工精修，既保留了AI带来的想象力，又确保每一处细节都契合导演的艺术意图。通过Veo模型的微调与工作流的优化，团队得以高效迭代狗的形象与周围的艺术特效，在自由度与精准度之间，探索出更多艺术可能。
追求完美的脚步，从未停歇。为了让这部短片能够达到大银幕放映的标准，团队还利用Veo模型的超分辨率功能，将最终镜头统一提升至4K画质。在这一过程中，艺术家们持续提供细致反馈，研究员们则根据反馈对模型进行精准调校，最终在大幅增强画面细节的同时，完整保留了原作中每一处微妙的艺术笔触与风格质感，让38秒的短片，拥有了不输长片的视觉质感。
回望整部短片的创作历程，每一个镜头都伴随着独特的挑战，每一次突破都源于艺术与技术的相互倾听、彼此成就。这支跨学科团队，通过不断探索、反复打磨，逐步开发出多套混合工作流，将手绘动画的精准控制力，与生成式AI在风格表现、规模化生产上的灵活性，完美融合在一起，既打破了传统动画制作的边界，也重构了人们对AI与艺术关系的认知。
圣丹斯电影节上的这38秒惊鸿一瞥，从来都不只是一段优秀的动画短片预告，更是一次艺术与技术的深度对话，一份关于创作本质的探索与思考。它用实际成果证明，生成式AI从来都不是艺术家的“对手”，而是可以并肩前行的“伙伴”;最动人的创新，从来都诞生于创作者坚守初心、工具赋能成长的交汇点。
当艺术的想象力，遇上技术的突破性，未来的电影创作，必将拥有更广阔的空间;而我们，也终将在这份融合与创新中，看见一个更具想象力、更富温度的艺术世界。
本文来自微信公众号：CG世界，作者：小岛一颗聪